RGM Audiovisual Records nace con la fuerza que lo hicieron las otras empresas del grupo, con ganas de hacerse un hueco en el competitivo mundo audiovisual, y como todo sueño con trabajo y constancia al final llega, y se hizo realidad.

Es más fácil sentirla y reproducirla que explicarla o definirla. Todos entendemos qué es la música, pero ¿cuántos pueden poner en palabras cuáles son sus características esenciales o aquello que le da sentido?

El término música tiene su origen del latín «música» que a su vez deriva del término griego «mousike» y que hacía referencia a la educación del espíritu la cual era colocada bajo la advocación de las musas de las artes.

La música no sólo es un arte al que muchas personas recurren para llenar su vida de felicidad, también existen acciones terapéuticas que utilizan la música como elemento, la musicoterapia es una de ellas. Consiste en una aplicación científica del sonido, la música y el baile a través de un tratamiento que intenta integrar lo cognitivo, lo emocional y lo motriz, que libera los malos sentimientos y permite encontrarse con la energía propia de cada ser, ayudando a mejora la comunicación, la expresión individual y la integración social. La musicoterapia se utiliza en caso de enfermedad o disfuncionalidad física o social, para que un individuo se rehabilite y reeduque emocional, intelectual y motrizmente.

Puede decirse que la música, con sus sonidos, posee tres componentes que la vuelven única: el sonoro, el temporal y el intelectual. El sonoro se encuentra representado por los sonidos unidos de una forma específica, el temporal tiene que ver con el momento puntual en el que deben ser representados y ejecutados los sonidos y el intelectual tiene que ver con la influencia que puede causar un determinado movimiento sonoro en un individuo, influyendo en su estado de ánimo y modificando a través de él otros aspectos de su vida. Posiblemente en la comprensión de estos tres componentes a fondo esté la respuesta que buscamos, el por qué tenemos esa increíble necesidad de hacer o escuchar música.

Descendiente de mexicanos y criado en Detroit, tardó casi 30 años en enterarse que su fama en el país africano se encontraba a la altura de John Lennon o Bob Dylan. Un documental basado en su vida ganó un premio Oscar.

En la década del 70, los discos de Sixto Díaz Rodríguez sonaban en casi todos los hogares de Sudáfrica. Su figura era un mito: nada se sabía de él, incluso, se pensaba que estaba muerto. Lejos de eso, estaba trabajando en una obra en construcción en Michigan, Estados Unidos. Lo que pasó es que tardó casi tres décadas en enterarse de que del otro lado del mundo su nombre era tan conocido como el de John Lennon o Bob Dylan.

Nacido el 10 de julio de 1942 en Detroit, sus padres, inmigrantes mexicanos, le pusieron de nombre Sixto por ser su sexto hijo. Se crió rodeado de música y en su adolescencia ya sabía qué quería para su vida. Así fue que en 1967 grabó su primer sencillo, "I'll Sleep Away", con la productora Impact. Tres años más tarde sacó el álbum Cold Fact, que solo vendió seis discos, y un año después Coming From Reality, ambos con la discográfica Sussex y bajo el nombre artístico Rodríguez.

Hija del fordismo y de la gigante industria automotriz de los Estados Unidos, Detroit representó durante décadas el sueño americano. Pero por aquellos años la fuga de capitales y la baja del ingreso per cápita, entre otros factores, la convirtieron en una ciudad fantasma. Aquella situación, junto a las constantes revueltas de los afroamericanos, dieron lugar a las letras de Sixto Rodríguez.

De melena larga y gafas oscuras, el cantante hablaba sobre la desigualdad, la lucha de la población negra y el coraje de muchas personas que intentaban sobrevivir en su ciudad, con una música psicodélica inspirada en Bob Dylan. A tono con la época.

Las ventas fueron un fracaso absoluto en los Estados Unidos y el artista no tardó en alejarse de lo que más le gustaba hacer. O al menos eso creía; sus canciones llegaron a Sudáfrica y Sixto Rodríguez se convirtió en un símbolo de la música de culto.

Las circunstancias en las que sus discos viajaron hasta el país africano, en una época en la que -por supuesto- no existía Internet ni las redes sociales-, no están del todo claras. Aunque cuenta la leyenda que una mujer norteamericana se fue de viaje a Sudáfrica y llevó una copia de Cold Fact. Allí hizo algunos amigos, quienes quedaron impactados con las canciones, y realizaron algunas copias.

Si bien Sixto nunca estuvo oficialmente prohibido durante el apartheid, sus canciones no eran reproducidas en las estaciones de radio sudafricanas, solo en alguna emisora pirata. Pero las letras con fuertes componentes de lucha social se convirtieron en una bandera de protesta para los jóvenes sudafricanos que se levantaban contra la opresión y la segregación racial impuestas por el régimen. La popularidad del "profeta" creció a pasos agigantados y llegó a ser disco de platino.

Todos en Sudáfrica se hacían las mismas preguntas: ¿quién es Sixto Rodríguez? ¿Dónde vive? ¿Qué está haciendo? Pasaron años, décadas, sin que nadie pudiera responder esas preguntas. Entonces, se empezó a creer que estaba muerto. Los pormenores del deceso lo convirtieron en un mito: que se quemó vivo durante un show, que se pegó un tiro en la sien después del último acorde en un concierto… En fin. Versiones basadas en la nada misma que agigantaban su figura.

La realidad estaba muy lejos de todo eso. Golpeado por el fracaso de sus primeros discos, Sixto se dedicó a la crianza de sus tres hijas, estudió filosofía, trabajó en una estación de servicio, llegó a ocupar algún cargo público en su ciudad y se desempeñó varios años en obras en construcción. Jamás se hubiese imaginado que era un líder de masas en Sudáfrica: él no tenía copias de sus discos, solo una de Cold Fact.

Es en este punto de la historia donde entran en juego Craig Bartholomew-Strydom y Steven Segarmann, apodado Sugar por un juego de palabras de su apellido y "Sugar Man," la canción más célebre de Sixto. Fans del músico de origen latino, se pusieron en seria campaña para dar con su paradero a mediados de los 90. Esta búsqueda dio origen a la película Searching for Sugar Man, dirigida por el sueco Malik Bendjelloul, que ganó un premio Oscar en la categoría mejor documental largo en 2012.

No fue nada fácil. La discográfica que había publicado sus álbumes no tenía idea de su paradero y la compañía que se encargaba de distribuirlos en Sudáfrica y Australia (donde también goza de una importante popularidad), mucho menos. Strydom llegó a hablar con Mike Theodore, uno de los productores de "Cold Fact", y le preguntó cómo había fallecido el hombre. "No está muerto", le respondió.

Tardaron seis años en cumplir su objetivo, cuando Segermann fue contactado por Eva, una de las hijas de Sixto. "¿En serio quieren conocer la historia de mi padre?", les preguntó, extrañada por la curiosidad de los desconocidos.

Sixto tenía 56 años y habían pasado 28 del lanzamiento de su primer disco cuando conoció la fama. En 1998 fue invitado a realizar una serie de conciertos en Sudáfrica y el recibimiento estuvo a la altura de las circunstancias: localidades agotadas y devoción por una leyenda que se creía muerta, pero "revivió" para cumplir su sueño. "Gracias por mantenerme vivo", les dijo a sus fans en su primer show.

Sixto no vio un centavo por todos los discos que vendió en Sudáfrica y otras partes del mundo a lo largo de los años que estuvo "muerto". Por este motivo, Searching for Sugar Man es un documental rico no solo por la historia que cuenta y el particular personaje de Sixto Rodríguez, sino también porque permite reflexionar sobre los manejos de la industria musical.

"Cold Fact influyó de muchas maneras en un montón de personas. El éxito comercial fue increíble. Si tomás a cualquier familia sudafricana, normal, de clase media, y te fijás en su colección de discos, vas a encontrar 'Abbey Road', 'Harvest' de Neil Young y 'Cold Fact'. Fue un éxito del boca en boca", contó en el documental Segermann. ¿Dónde quedó todo el dinero por la recaudación?

Según el documental, la respuesta está vinculada a Sussex Records, que hizo negocios con las canciones de Sixto Rodríguez después de despedirlo. Pero nunca se llegó a una solución concreta. "Todavía no llegamos al fondo de eso, sigo tratando de investigarlo y esclarecerlo. Pero soy un hombre de largos plazos, ¿entiendes lo que quiero decir?", dijo el músico, con humor, en una oportunidad al ser consultado al respecto.

Su vida, por supuesto, cambió para siempre. En 2009 sus discos Cold Fact y Coming from reality fueron relanzados por Light in the Attic Records. Recorrió el mundo con su música y ahora se prepara para una nueva gira por Oceanía. Lleva en el corazón a Sudáfrica, donde es una leyenda viviente. Aunque después de tantos años en el anonimato le cueste creer lo que significa su nombre.

"Soy una persona afortunada, estoy sorprendido por todo lo que me ha ocurrido".

A lo largo de la historia, cine y música han estrechado cada vez más su relación. A día de hoy, no podríamos entender una buena película sin un gran fondo musical.

Las bandas sonoras creadas por grandes maestros como Henri Mancini, Ennio Morricone, John Williams o Bernard Herrmann han pasado a ocupar un lugar en la historia paralelamente a las películas que han ambientado.

El cine es narración y una de las funciones de la música en el cine más frecuentes será llevar precisamente el ritmo de ese relato. Pero también la música en el cine tiene una función dramática que afecta directamente a las emociones. Determinará qué es lo que el espectador debe sentir y busca que éste pueda comprender mejor la acción del relato.

Ahora cierra los ojos, piensa a la vez que escuchas tus bandas sonoras favoritas y trasládate a una butaca de cine. ¿A dónde te lleva la música?

Hans Zimmer nacido en Alemania en 1975, se ha convertido en uno de los más prestigiosos compositores de bandas sonoras, al cual se le caracteriza por la integración de música electrónica y arreglos sinfónico-orquestales.

Entre alguno de los muchos reconocimientos cinematográficos que ha obtenido se encuentran los Globos de Oro, BAFTA, Emmy, Saturn, Grammy, además de dos premios Óscar de la Academia por su trabajo en El rey león (1994) y Dune (2021), premios a los que ha sido nominado en otras diez ocasiones desde 1988 con Rain man.

Hans Zimmer ha puesto música a más de 500 proyectos en todos los medios, que, en conjunto, han recaudado más de 28.000 millones de dólares en las taquillas de todo el mundo. Zimmer ha sido reconocido con dos Premios Oscar de la Academia, tres Globos de Oro, tres Grammy, un Premio de la Música de Estados Unidos y un Tony.

Hans Zimmer es sin duda uno de los más conocidos e influyentes compositores de bandas sonoras de nuestro tiempo. Sus poderosos paisajes sonoros han definido el estilo del cine contemporáneo como ningún otro compositor.

Sus bandas sonoras han dotado de drama y de una enorme profundidad emocional a una lista casi interminable de producciones taquilleras como Dune, Sin tiempo para morir, Gladiator, La delgada línea roja, Rain Man, la trilogía El Caballero Oscuro, Origen, Thelma y Louise, El último samurái, 12 años de esclavitud, Blade Runner 2049 (compuesta con Benjamin Wallfisch) y Dunkerque, así como bandas sonoras recientes como la de Wonder Woman 1984 o las compuestas para las películas de Ron Howard Hillbilly: una elegía rural y Bob Esponja: un héroe al rescate.

Más recientemente, en marzo de 2022, Hans Zimmer ganó el Oscar a la mejor banda sonora original por el Dune de Denis Villeneuve. En 2019, el compositor escribió la partitura de la versión en directo de El Rey León, por la que fue nominado al Grammy a la mejor banda sonora para medios visuales.

La vida de Nino Bravo se apagó a raíz de un accidente vial. Era el 16 de abril de 1973, cuando con 28 años el valenciano Nino Bravo conducía en dirección a Madrid.

Luis Manuel Ferri Llopis nació el  3 de agosto de 1944 en la localidad Valenciana de Ayelo de Malferit, considerado hasta su temprana y trágica muerte como la mejor voz del pop nacional en el final de la década de los sesenta y principios de los setenta. Su estilo, a caballo entre la interpretación estándar y el pop del momento, conquistó a un público mayoritario, no sólo por la alta calidad de su repertorio, sino también por la potencia y belleza de una voz que le diferenciaba definitivamente de sus numerosos imitadores.

Desde la temprana edad de cuatro años creció en el barrio de Sagunto de Valencia. Admirador desde siempre de Luis Mariano (tanto como tiempo después lo sería de Tom Jones) tuvo sus primeros contactos con la música ligera cuando, muy joven aún, formó parte del trío semi-profesional Los Hispánicos, para pasar después a integrar Los Superson, con quienes comenzó a actuar con cierta frecuencia en fiestas y locales de verano de la Comunidad Valenciana.

En marzo de 1969 realizó su presentación en el Teatro Principal de Valencia con un repertorio en el que destacaban versiones de los éxitos del momento, basadas principalmente en canciones de Tom Jones, Engelbert Humperdinck y John Rowles.

Las buenas críticas recibidas le animaron a suscribir contrato por cinco años con el sello Fonogram, a razón de un fijo de cinco mil pesetas por canción grabada y un 4% de royalties de las ventas de sus discos.

Aquel fatídico 16 de abril de 1973 murió el hombre y nació la leyenda.

A mediados de diciembre de 1979, Jean Michel Jarre recibe una llamada del secretario general de la UNESCO, el senegalés Amadou-Mathar M´Bow.

El gobierno chino de Hua Guofen estaría interesado en que Jean Michel Jarre viajara a Pekín y formalizar una serie de conciertos en la China comunista, tan sólo tres años después de la muerte de Mao. Amadou-Mathar había estudiado en París y sentía un cariño muy especial por Francia.

En la reunión de la sede de la UNESCO, el secretario general le cuenta a Jarre que Radio Pekín ha empezado a poner sus discos, desde “Oxygene” hasta el último “Magnetic Fields”. Jarre casi salta de alegría, porque llevaba un año y medio de insistencia ante la embajada china en París para que aprobaran sus conciertos.

Por otra parte, quedaba claro que quien ya manejaba todos los hilos de la reciente economía comunista china era Deng Xiaoping. Ese mismo mes, China había comprado varios aviones a la Boeing y Coca-Cola había anunciado la inauguración de una fábrica en Shanghái.

El 13 de julio de 1980, al año siguiente, Jean Michel Jarre y su esposa Charlotte Rampling llegan a Pekín. Su primera reunión con las autoridades chinas se produce en el Conservatorio de Música China en Pekín, localizado en una de las calles adyacentes de la plaza Tien An Men .

Jarre había tomado la precaución de llevarse un par de sintetizadores para hacerles la demostración a los chinos de lo que la electrónica había hecho cambiar la faz de la música. Los chinos alucinaban con los nuevos sonidos. Se excitaban con todas las “modernidades” occidentales.

El propio Jarre me contó que en el Conservatorio no había ni un sólo piano acústico. Durante la revolución cultural, el piano había sido declarado culpable de la decadencia musical occidental. Parece ser que en todo Pekín, si acaso, había dos pianos y controlados por el el aparato cultural del nuevo régimen.

Aquella misma tarde, Jean Michel y Charlotte acuden a un concierto de música sinfónica china. Jarre graba la música clásica china, en un cassette para poder componer algo sobre la idea musical china, pero con sintetizadores. Por la noche, cenan con Madame Wuang, directora de la Radio nacional. La dirigente le dice que más medio millón de chinos ya conocen la música de Jarre, porque ha dado órdenes de que se escuche, como inquietante novedad tecnológica en la cultura de un nuevo país, en vías de desarrollo. Un cuento chino.

Como todo se eterniza por el funcionariado, Jarre no vuelve a China hasta febrero de 1981. Vuela en el mismo Concorde, con François Mitterrand, que está a punto de ser presidente de la república. El político le asegura que hablará con los chinos para lograr que pueda actuar, al menos, en Pekín. Jean Michel le cuenta al presidente que su idea es de adaptar un tema chino clásico y casarlo con los sintetizadores. Algo difícil de solventar, porque en la música clásica china no existen las partituras de música.

En junio, Jean Michel regresa una vez más Pekín. Afina o desafinan los detalles técnicos con la enorme plantilla de funcionarios chinos, incapaces de entenderse entre ellos. Las reuniones casi enloquecen al artista francés. Casi una semana después de las discusiones, se encuentra al borde de abortar el proyecto completo y de desistir de la empresa. Le explica a Charlotte que esos conciertos van a ser más difíciles que lograr un concierto en la cara oculta de la luna. Hablando de Pink Floyd, Jean Michel se ha impresionado de la puesta en escena de “The Wall”.

Contrata, por supuesto, a Mark Fisher como artista para lograr una puesta en escena espectacular. La firma de Mark para el proyecto entona moralmente a Jarre, que decide, finalmente, con los chinos ofrecer dos conciertos en Pekín y tres en Shanghái.

Por fin, el 15 de octubre de 1981 despega de París un avión especial rumbo a Pekín. Transporta 15 toneladas de material, con trescientas cajas etiquetadas y 70 personas a borde. El avión llega a la capital China treinta horas después. En el mismo aeropuerto, las autoridades chinas le obligan a formalizar y firmar una especie de contrato.

En el avión de regreso, Jarre escribe el mejor tema de su álbum doble “The Concerts in China” . Le llama “Souvenir de Chine” . Una semana después , Jarre y todos sus músicos penetran en el estudio para grabar realmente el disco. De las cinco pesadillas en China sólo pueden valer las imágenes rodadas en cine.

“Hasta el día de hoy, la experiencia de los Conciertos en China sigue siendo probablemente la más surrealista y poética de todas mis experiencias. Fue un honor ser el primer músico occidental en tocar en vivo en el país en ese momento y fue como visitar otro planeta para mí; y también para la audiencia china también parecía ser el mismo asombro curioso”, comparte Jean-Michel Jarre. “He vuelto a visitar China muy a menudo debido a la pasión por su cultura y he actuado allí desde entonces, en la Ciudad Prohibida y en la Plaza de Tiananmen. Estoy encantado de que el álbum ‘The Concerts in China’ haya sido remasterizado, ya que es algo de lo que estoy increíblemente orgulloso y sigue siendo un testimonio de mi apego continuo a China”

Hay discos que en su día fueron razonablemente populares y hoy parece haber condenado al olvido el común de los mortales. Existen incluso álbumes que costaría lo suyo encontrar, ya fuera en las estanterías de las grandes tiendas o en las tiendas de segunda mano. Rebel sirve como paradigma en este apartado. El debut de John Miles sacudió las listas de éxitos en 1976 gracias a su apoteósico tema de apertura, Music (ese de “La música fue mi primer amor / y será el último”), pero es curioso que la canción haya pervivido en varias generaciones mientras el nombre de su autor y firmante se difuminaba como una nube pasajera.

Visto desde la distancia, puede que este fuera un álbum más excesivo que rebelde, pero también es verdad que incluye toneladas de buenas (y ambiciosas) ideas musicales. Y hasta alguna sorpresa monumental, como el elegantísimo Lady of my life, que podría haber llevado la firma de Stevie Wonder y ser un descarte postrero de Songs in the key of life. O Pull the damn thing down, boyante de cambios rítmicos y no muy lejos de aquel Burn down the mission, de Elton John. Pero el tono general del álbum, claro, era muy distinto: el que marcaban un jovencísimo Alan Parsons (productor) y su arreglista de cabecera, Andrew Powell, con un manejo de los violines como ese mismo año empezaría a resultarnos enormemente familiar a través del Alan Parsons Project. 

La propia voz de Miles, excelente y de rango amplísimo, se asemejaba a las más agudas en la nómina de Parsons (Lenny Zakatek, por ejemplo: ¿no será él quien se metió a hurtadillas en el estudio de Miles para suplantarle en Everybody wants some more?). Pocos recuerdan ya a John, proveniente del pequeño pueblito inglés de Jarrow. Ellos se lo pierden, de veras.

Todo comenzó en Londres, donde tres amigos compartían piso. Se trataba de los hermanos Mark y David Knopfler, junto a John Illsley. Mark Knopfler trabajaba como maestro de escuela, David era asistente social y John trabajaba en una tienda de discos. Su situación económica no les permitía demasiadas alegrías

A ellos se solía unir su amigo Pick Whiters, quien era el único que estaba introducido en el mundo de la música. Poseía experiencia como músico, tras haber participado en algunos grupos.

En 1977 Pick y Mark deciden crear un grupo. Pick sugiere el nombre: 'Dire Straits', algo así como 'situación límite'.

Juntos, los cuatro componentes del grupo consiguen reunir el dinero para grabar una maqueta. En ella, cuatro temas: 'Wild West End', 'Water Of Love', 'Sacred Loving' y 'Sultans Of Swing'.

Cuando un conocido disc-jockey de una emisora de radio en Londres pinchó la maqueta en su emisora, la reacción de la audiencia fue muy favorable, lo que obligó al pinchadiscos a seguir emitiendo la música de los Knopfler y compañía.

Entre los oyentes de la emisora se encontraba un conocido mánager de Fonogram, a la búsqueda de nuevos talentos, quien no cesa hasta que consigue que dos Dire firmen un contrato con su compañía. El mismo representante de Fonogram les presenta a una representante para sus conciertos.

Había nacido una leyenda del Pop, ellos fueron 'Dire Straits'

Uno de los mayores éxitos de la década de 1970 y todo un fenómeno social alimentado, en parte, por la gran acogida de la banda sonora de los Bee Gees. Además, supuso el lanzamiento como actor de John Travolta, en ese momento, todo un ídolo. Su particular forma de bailar y su notable interpretación le valieron una candidatura al Oscar. Muy diferente fue la suerte de su compañera de reparto, Karen Lynn Gorney, que no volvió a trabajar en el cine hasta 1996.

Heartbeat City fue el nombre del quinto álbun de estudio de la banda, fue lanzado al mercado el 13 de Marzode 1984, bajo el sello discográfico de Elektra Records.

Este álbum contiene un total de cinco Top 40, dos de los cuales, "Drive" y "You Might Think") fueron las de mayor éxito. Una serie de canciones del álbum ganó la radio y la exposición significativa de TV, en particular, "You Might Think", que había un video musical memorable en rotación en MTV entre 1984 y 1985. Otro sencillo de éxito frecuentemente visto en MTV fue "Magic", en la que el cantante y compositor Ric Ocasek caminaba sobre el agua.

Esta canción alcanzó el puesto 12º en los EE. UU. El video de la canción "Drive" (dirigida por el actor Timothy Hutton) mostró a Ocasek, quien no canta en la canción, discutiendo con una mujer con problemas por el modelo Paulina Porizkova, con quien Ocasek pronto se casaría. "Hello Again" tenía un video dirigido por el legendario Andy Warhol, quien también apareció en el video. La canción "Stranger Eyes" fue utilizado en el tráiler de la película de 1986 Top Gun, pero nunca llegó a aparecer en la banda sonora de dicha película.

The Cars fue una banda estadounidense de New Wave proveniente de Boston. Liderada por Ric Ocasek, y conformada además por Benjamin Orr, Greg Hawkes, Elliot Easton y David Robinson, se formaron a mediados de los años 1970 en pleno despegue punk; en 1977 consiguieron un contrato discográfico con Elektra Records y en 1978 lanzaron su primer disco.

El grupo The Cars se creó en 1976 cuando Ric Ocasek y Benjamin Orr se conocieron en una fiesta en Columbus, Ohio, y comenzaron a tocar como un dúo, haciendo covers de clásicos del rock, como también interpretando su propio material. Después de decidir que Boston sería un mejor lugar para irrumpir en el negocio musical, Ocasek y Orr se mudaron a dicha ciudad. Fue allí donde conocieron a Greg Hawkes, quien había estudiado en Berklee College of Music, y los tres fueron los primeros en trabajar juntos en una banda folk llamada Milkwood. Editaron un álbum titulado "How's the Weather".

Después de Milkwood, Ocasek y Orr formaron otro grupo llamado Richard and the Rabbits, cuyo nombre fue sugerido por Jonathan Richman. Fueron una banda local de club por un tiempo. Tiempo después, Greg abandono temporalmente a Ric y Ben y se unió a grupos como Orphan, una banda de soft-rock, y a Martin Mull and His Fabulous Furniture, quienes trabajaron en comedias musicales, donde tocó una variedad de instrumentos. Ric y Ben entonces tocaban como un dúo acústico llamado Ocasek and Orr. Algunas de las canciones que interpretaban se transformaron en el fondo musical de los temas de The Cars en el comienzo.

Una nueva formación se consolidó más tarde, cuando Ocasek y Orr incluyeron a Elliot Easton y pasaron a llamarse Captain Swing. Este nuevo grupo captó la atención de Maxanne Sartori, un DJ local de Boston que comenzó a programar frecuentemente sus temas. A pesar de que lentamente se iban convirtiendo en músicos más experimentados, Captain Swing todavía tenía un largo camino por recorrer antes de desarrollar una imagen profesional. En ese tiempo varios sellos discográficos rechazaron a la banda porque se veían "demasiado raros".

Benjamin Orr actuaba como frontman, no tocaba ningún instrumento y cantaba el grueso de los demos de la banda. Ocasek decidió dar un nuevo giro a la banda y despidió al bajista y al baterista, en busca de algo que estuviera a la altura de su estilo de composición musical. Debido a que uno de las mayores quejas de las disqueras importantes era que Benjamin Orr no hacia nada excepto pararse y cantar, decidieron que debería sostener algo, por ello desde ese momento fue el encargado de tocar el bajo. Además, decidieron incorporar nuevamente a Greg Hawkes en los teclados y como baterista a David Robinson. Mejor conocido por su carrera con The Modern Lovers, Robinson también tocó en DMZ y the Pop!. A Robinson fue a quien se le ocurrió el nuevo nombre del grupo; "The Cars" que surgió de los juegos de palabras referidas a los automóviles.

Después de pasar el invierno de 1976 tocando por todo New England, desarrollando perfeccionado los temas que se transformarían en su álbum debut, la banda firmó con Elektra Records. La versión demo de "Just What I Needed" se convirtió en el primer single del álbum debut de la banda, The Cars, lanzado en 1978, el cual alcanzó el #3 en el ranking de Billboard de álbumes Pop. "My Best Friend’s Girl" y "Good Times Roll" luego entraron rápidamente en el Top 40.The Cars es nominado en la categoria de Artista Nuevo en los Grammy de 1979.Siguiendo el liderazgo de Roxy Music, la banda encargó al afamado artista de Playboy Alberto Vargas el diseño de la ilustración para su segundo álbum, la carátula de Candy-O, editado en 1979. Hits de éste álbum incluían "Let’s Go" y "It’s All I Can Do", ambos Top 40.

En la carretera CV-500, se sucedían en los 80 y los 90 música tecno, decibelios y “mákina”. Era la denominada “ruta del Bakalao”. Todo un fenómeno social que cayó en picado al unir su nombre con el ascenso de las drogas y la masificación del ocio nocturno. La mayoría de las discotecas son hoy edificios fantasmas, pero existen supervivientes.

La llamada Ruta Destroy (o Ruta del Bakalao como se le conoció más mediáticamente) fue heredera directa de la movida valenciana. Una forma de ocio nocturno en la que participaban miles de jóvenes en las discotecas del área metropolitana de Valencia, sobre todo en la carretera de El Saler (CV-500). Cada fin de semana Barraca, Spook Factory, Chocolate, Espiral, NOD, Puzzle y ACTV acogían sesiones interminables durante la década de 1980 y la primera mitad de los años 90.

Mientras en Madrid los iniciadores de la movida fueron Kaka de Luxe y Burning, en Valencia lo fueron La Banda de Gaal y seguidamente La Morgue. Estamos en 1979 y la movida en una y otra ciudad nacía como un sentimiento de ruptura tras la caída del Régimen.

La sala Oggi, auspiciada por el principal precursor y gurú de la movida discotequera, Juan Santamaría, fue un templo de “rarezas” entendidas con el significado que tenían entonces, un espacio donde tenían cabida inquietudes musicales y culturales. La explosión del movimiento en los primeros años de los 90 vino de la mano de locales como Puzzle, Espiral, Barraca (la verdadera superviviente tras 50 años y abanderada del movimiento techno en Valencia), Spook Factory (reabrió en 2005), Chocolate, NOD, ACTV. 

Llegó a producirse un verdadero movimiento social de dimensiones extraordinarias. Más de 30.000 jóvenes de todas partes del país se congregaban en las diferentes discotecas de la Ruta Destroy, en torno a la ciudad del Turia, para pasar fines de semana inolvidables.

Spook Factory, Tropical, en el mismo edificio que ACTV, Galaxy, muy cerca de Espiral, Zona, Karma, eran puntos de encuentro ineludibles cada fin de semana durante la gloriosa década de los 80 y principios de los 90.

A 30 kilómetros de Valencia, en el municipio de Sueca, Barraca fue una de las grandes referentes del movimiento y una de las pocas supervivientes. Remodelada en 2007, la discoteca estrenó sello discográfico en 2008 produciendo temas de dj´s residentes de la sala como Danny Fiddo o Andrew Grant. También cerca de Sueca, en Sollana, la macrodiscoteca Banana’s fue una de las salas más importantes de aquella época.

Coldplay, banda británica de pop rock y rock alternativo formada en Londres en 1996. Está integrada por Chris Martin, Jon Buckland, Guy Berryman y Will Champion. Es considerada por críticos y expertos musicales como uno de los grupos musicales más relevantes de la historia, principalmente desde la década de los 2000, los 2010, y en la actualidad.

Los primeros trabajos de Coldplay hicieron que la banda fuera comparada repetidas veces con artistas como Radiohead, Oasis, INXS, U2 y Travis. Alcanzaron el éxito internacional con el lanzamiento de su sencillo «Yellow», seguido por su álbum debut, Parachutes (2000), que fue nominado a los Premios Mercury. Su segundo álbum, A Rush of Blood to the Head (2002) ganó múltiples premios, incluido el de Álbum del Año según el semanario NME.

Pese a que su tercer álbum, X&Y (2005) no causó tanto entusiasmo, tuvo igualmente una recepción positiva y fue el más vendido de 2005. El cuarto álbum de estudio de la banda, Viva la Vida or Death and All His Friends (2008) fue producido por Brian Eno y generó excelentes críticas, llegando a recibir nominaciones a los premios Grammy y otra clase de homenajes, además de ser el más vendido del año 2008.

Posterior a ello, la banda británica liderada por Chris Martin llevó a cabo su segundo y último show en Lima, en el que se esperaba aún más concurrencia en medio de su gira internacional “Music of the spheres”.

En 1979 el sello discográfico Polidor sacaba a la venta  “Sonido Disco – Al rojo vivo”, en un magnífico formato de doble álbum, un recopilatorio con las mejores canciones disco de la época.

Entre 1991 y 2003, el tenor Luciano Pavarotti respondió al llamado de la organización War Child para recaudar fondos para la construcción de un centro de musicoterapia en Mostar, Bosnia. De esta forma, se organizaron anualmente conciertos en Modena bajo el título Luciano Pavarotti & Friends. Con él colaboraron las más relevantes figuras de talla mundial, en el panorama musical, del pop y del rock.

Se recaudaban fondos para diferentes causas y a beneficio de niños y adultos de todo el mundo, lo que demuestra el alto grado de popularidad que alcanzó. Por primera vez un tenor de ópera era conocido como estrella por el gran público.

Rock and Ríos fue el undécimo álbum de Miguel Rios. Grabado en directo los días 5 y 6 de marzo de 1982 en el antiguo Palacio de los Deportes de Madrid. Distribuido por el sello Polidor fue emitido en la primera cadena Televisión Española el 7 de mayo a las once menos cuarto de la noche el concierto grabado del día 6 de marzo, hecho totalmente inusual en esa época. El disco fue publicado en la primera semana de mayo de ese mismo año, cuando el cantante celebraba sus veinte años en el mundo de la música. Se convirtió en todo un hito en la historia de la música popular española, vendiendo casi medio millón de copias y siendo el preludio de una multitudinaria gira por todo el país, que se convirtió en una celebración de la recién estrenada democracia española, entonces en plena Transicion. Es el disco más vendido de la historia del Rock en España.

Las milenarias pirámides de Egipto recibieron al año 2000 y 7000 (de la era faraónica) con un concierto de una vanguardista ópera electrónica del músico francés Jean-Michel Jarre, uno de los más grandes espectáculos organizados en el mundo con motivo del cambio de siglo.

La conmemoración del tercer milenio coincidió con la del séptimo de la era egipcia y así se celebró, junto a los demás pueblos del mundo, una efeméride que el hombre ve una sola vez en su vida, Los doce sueños del Sol, que incluyo un espectáculo de rayos láser y fue retransmitida vía satélite por decenas de cadenas de televisión, comenzó a las 10.30 hora local (20.30 GMT) en la meseta de Guiza y duro tres horas. Cerca de un millar de actores y músicos participaron en este faraónico espectáculo.

Una cuidada puesta en escena con músicos y figurantes locales, unido a la electrónica, el sonido e iluminación más avanzada de la época, hizo de este concierto un espectáculo para recordar.

Pulse, fue el tercer algún en vivo de Pink Floid, se grabó entre el 17 de agosto y 23 de octubre de 1994 en el HDI Arena, los estudios Cenecitta y el Centro de Exhibiciones Earls Court de Londres durante el The Division Bell Tour.

Se publicó el 5 de junio del siguiente año a través del sello discográfico EMI Records, en Reino Unido y mediante Columbia Records en Estados Unidos.